娱乐王朝第一千四百一十六章顶级歌者的不足林菀依如今才刚刚成年，付出比老一辈歌手更多的辛苦，既合情合理，也势在必行。
她跟泰勒合唱的这首歌叫做《一路生花》，这首歌表达了为了实现梦想，年轻人不怕风浪的励志歌曲。
歌曲里希望人们许下的所有愿望都能开出美丽的花朵，不仅能帮助自己抵御风沙，还能帮助雨中的人们避雨。
歌曲中的青春和动力的感觉就能感动很多人，它唱出了年轻人的激情和梦想。
他们勇敢，热情,勇敢，为自己的梦想努力，帮助别人。
演唱者温柔的声音也让这首励志歌曲更加温暖，让人感受到了青春的气息。
原版在后世各个网站都有很高的人气，不仅仅是因为它的旋律好听，更是因为它的歌词里传达的乐观精神是当代很多年轻人所缺乏的。
而两个人的合唱版是基于原唱基础上的再升级，不仅加入了两种不同音色交相辉映的化学反应效果，让其多出了无与伦比的层次感，还特意加入了一段高八度的和声效果。
可以说这首歌的层次感是编曲以及和声编排的结果，林菀依在这首歌当中的角色是主和声,这个版本的和声能产生让人百听不厌的效果。
因为整首歌曲的主音程，特别是副歌段的主音程是由泰勒撑起来的，她的声音特点就是高亢。
在当今世界范围内的流行乐坛当中，论流行唱法音色的穿透力，没有多少歌手是能够比得过她的，
这个是毋庸置疑的。
因此在这么强有力具有穿透性的唱法下，林菀依的音色变化便注定了绝对不能跟泰勒进行硬碰硬。
否则以两人都为高亢尖细的音色的话，是很容易陷入女声合唱的恶魔地狱——同质化当中。
当一首歌的合唱两人陷入同质化的陷阱当中，整首歌的层次就会做得一塌糊涂，即使是再强的编曲也无法挽救回来。
这种设计，就有意识地规避了两人声音当中的同质特点,转用和声进行层次感的穿插和堆叠。
并且这种使用不同发声方式以及和声编排，来规避两人的同质化特点，手段极其的高级，也是现代音乐中少见的曲风设计。
比如在第一段，选择无鼓点，几乎是让歌手清唱的方式，主音程只有一把键盘和吉他。
然后到了副歌，加入另一副钢琴，以及空间感很强的电鼓推进，让整个第一段显得更为空旷，轻盈无比。
再在间奏加入整个乐队编，跟第一段的歌曲就显得对比度很强，是在通过乐器的增减进行层次感的构造。
在整个第二段当中，乐队编一直是不缺席的，直到林菀依和泰勒的吟唱段结束之后，掐断所有乐器，只剩下陶笛声音。
在陶笛的段落过后，再直接上整个乐队编，这样整首歌的“弱-强-弱-强-弱”的层次感就出来了。
而且三段落编曲使用不同的乐器音色，便让三段的层次感显得更为强烈。
两个人
的嗓音搭配效果，很像绕着中心荡漾出去的水波，是一种复合、立体，具有水的波动形态和风的自由呼吸，又不失坚韧金属内芯的奇妙存在。
林菀依的和声在为整首歌曲服务的目标下，也呈现出来这样的效果。
当围绕着泰勒的主音去和音时，她轻拢慢捻抹复挑，以声音为氛围氤氲渲染，并作为介质扯动那平静湖面上的空气和情感暗流。
在有限的表现空间内，使整首歌的听感和情绪带入产生高低位差和浑然天成的“呼吸感、流动性”，因而使歌曲有了看似简单实则扎根深厚的波伏。
这扯动的力量虽温柔甚至无形，却势不可当。
再平淡的曲调，在刘清山这样有意无意营造的小节律中也变得有滋有味了，合作对象和听众只要跟着这节律“冲浪”，就会非常的舒服。
加之泰勒bug级别的音色，江关莺语花底滑，大珠小珠落玉盘般动听，本身就很具有可欣赏了。
因此这等级别的和音编排是无往不利的，碰上同样善于配合或者善于被配合的声音，就容易出高质量的神级舞台效果。
所以经过长时间录制下来的版本里，林菀依的深情演唱为这首歌注入情感和意义。
泰勒的音色亮而有力，有点像电音，却不失变化，令其强大的气声唱法，营造出一种声音蔓延开来的磅礴感觉。
两种声音搭配，扩大了声音的体积感和层次感。
如果用香水比
喻，林菀依的声音构成清新的前调和温和的基调，泰勒的声音构成令人愉悦的，明亮的中调。
两人天使般的嗓音和“微笑式”唱法，让这个录音现场有了一种婚礼般的沉浸感，仪式感和幸福感。
再加上很有画面感的歌词，落霞如虹彩，斑斓渐变，有着如絮的柔软与轻盈。
其中充盈的是少年憧憬，半是期待半迷茫；少年向往，气势夺人不妥协；少年有梦，自由热烈永激荡。
我希望许过的愿望一路生花
将那雨中的人藏在屋檐下
岁月在冲刷逆流沧桑的喧哗
安静的夜晚你在想谁吗
我希望许过的愿望一路生花
护送那时的梦抵挡过风沙
指尖的樱花如诗写谁的韶华
疯狂的热爱夹带着文雅
尤其是副歌部分的旋律实在太好听了，更在和声唱段里，有意通过调整唱词长短及语气的轻重变化来错开音高共振，不说万分完美，但听感上令人舒适无疑，非常佩服二位的专业能力！
便是见识过无数经典的孙南，都对她们的演唱大加赞赏，并对刘清山的“创作”能力大唱颂歌。
他的态度其实还是挺真实的，因为他手里正我这另一首歌，这首叫做《起风了》的歌曲。
这首歌同样具有着超越了年代感的更新潮理念，脱离了传统以上的流行乐的一些固有创作套路，行程了独属于刘清山的一种音乐风格，那就是配器的新颖和曲风的共鸣品质。
更让他感到开心的
是，这首歌虽然打着他跟刘清山合唱的幌子，实际是是以他为主的独唱效果。
刘清山顶多在某些段落加了些和音，显然他是有意让这首歌成为孙南另一首代表作的打算。
这么多年，孙南的嗓音一直没有变化，还是那种音色鲜明的男高音。
这一点也是刘清山最感自愧不如的地方，这种音色很特别，是一种基于咽音唱法和他的共鸣。
当然了，他的这种声音的风格也不是独一无二的，很多藏族的民歌手，尤其是老一辈的藏族民歌手，他们的歌声里都有很大比例的咽音成分。
在历史上很长一段时间里，这种又高又硬的声音，简直就是藏族民歌的一个代言词。
但现代音乐乐坛因为有了孙南而诞生了孙式唱腔，它的发声原理，是靠气息带动鼻腔靠上的位置而非鼻腔快速振动而发出的声音。
咽音唱法和关闭唱法，这两个说法，其实都是来自于意大利美声唱法。
但是这两个方法本身，并不是美声唱法独创的，实际上从古至今，那些厉害的、擅长高音的歌手往往先天，或是通过后天的练习，学会了这些唱法。
这两种唱法获得高音的秘密，在原理上有一个相同点，那就是缩小声带的震动面积。
会弹吉他的朋友都知道，想在一根弦上发出更高的音，有两个办法，一个把琴弦拉得更紧，一个是缩短琴弦的震动部分的长度，即在品格上按住琴弦。
声带也是一样。
普通人唱高音，靠拉紧声带，这样越高就越吃力，而且很容易就达到极限了，脸红脖子粗，听着也难受，就如同我们拼命绷紧吉他上的琴弦。
但是歌唱的高手们，他们会缩小震动的面积，音越高振动面积就越小。
就如同我们弹吉他的时候，一格一格地按上去，音越来越高，但是张力的变化并不大。
孙南就是最典型的代表之一，他的咽音唱法，是通过控制咽腔变化，调整气流粗细，较细的气流冲击声带，就会引起较小的振动面积，音就越高。
这种方法最巧妙之处在于，它运用了一个物理学的原理，叫做贝诺利氏原理，孙南的声音里面，就是有很大的咽音的成分在。
这股气流对于声带的冲击并不会把声带吹开，反而使我们的两片声带相互靠近。
因而孙南的这种演唱技巧，是强大如刘清山都没有掌握到手的东西。
因为咽音的特点是，高音省力，久唱不累，越唱越亮，较于关闭唱法掌握难度低。
但是缺点也是明显的，声音不够亲切自然，缺乏变化，太硬，声音的表情不够丰富。。
所以这首歌，他就会帮孙南和音出来一种旋律变化，好让略显直白的极致高音部分多一些情感起伏，这样打造出来的歌，才具有成为隽永名曲的可能。
这是由于孙南的声乐技巧的原因，让他的声音虽然高和亮，但是比较硬，比较直白，缺
乏变化和多样的色彩。
也就造成了他适合诠释的是激昂的大歌，以及撕心裂肺的呐喊，最好飙到highC以上那种。